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20/05/2016

Claude Monet French painter

Claude Monet, en pleine Oscar-Claude Monet (né le 14 Novembre 1840, Paris, France-décédé le 5 Décembre 1926, Giverny) peintre français qui a été l'initiateur, leader, et le défenseur indéfectible du style impressionniste. Dans ses œuvres de maturité, Monet a développé son procédé de production d'études répétées du même motif en série, en changeant toiles avec la lumière ou que son intérêt décalé. Ces séries ont souvent été exposées dans des groupes, par exemple, ses images de haystacks (1891) et la cathédrale de Rouen (1894). A son domicile à Giverny, Monet a créé l'étang de nénuphar qui a servi de source d'inspiration pour sa dernière série de peintures. Sa popularité a grimpé dans la deuxième moitié du 20e siècle, lorsque ses œuvres ont voyagé le monde dans des expositions de musée qui a attiré une foule record et de commercialisation des produits commerciaux populaires mettant en vedette des images de son art.
L'enfance et les premières œuvres

Lorsque Claude, le fils aîné d'Adolphe Monet, un épicier, âgé de cinq ans, la famille a déménagé à la côte normande, près du Havre, où son père a pris la direction du navire-florissante et fournitures pour bateaux épicerie affaires de sa famille. Cet événement a plus de signification biographique, car il était l'enfance de Monet, a passé le long des plages, et la connaissance intime qu'il a gagné sur la mer et l'évolution rapide des conditions météorologiques Norman, ce serait un jour donner lieu à sa nouvelle vision de la nature. Le premier succès de Monet comme un artiste est venu quand il avait 15 ans, avec la vente de caricatures qui ont été soigneusement observé et bien dessiné. Dans ces premières années, il a également exécuté des croquis au crayon de bateaux à voile, qui étaient presque technique dans leur descriptif clair. Sa tante, Marie-Jeanne Lecadre, était un peintre amateur, et, peut-être à sa suggestion, Claude est allé étudier le dessin avec un artiste local. Mais sa vie comme peintre n'a pas commencé jusqu'à ce qu'il se lia d'amitié Eugène Boudin, qui a introduit l'étudiant un peu arrogant à la pratique, puis rare-de la peinture à l'air libre. L'expérience à définir la direction de Monet, qui, depuis plus de 60 ans se concentrerait sur les phénomènes visibles et sur l'innovation des méthodes efficaces pour transformer la perception en pigment.

Bien que les paysages de pétrole avaient été peints au moins depuis le 16ème siècle, ils ont généralement été produites dans les ateliers-souvenirs, plutôt que des impressions directes, des observations de la nature. Les peintres anglais John Constable et J.M.W. Turner a fait de petites esquisses à l'huile hors des portes avant 1810, mais il est peu probable que Monet connaissait ces études. Il a d'abord rendu à Paris en 1859-60, où il a été impressionné par le travail des peintres Barbizon-école Charles Daubigny et Troyon Constant. Pour l'agacement de sa famille, il a refusé d'inscrire à l'École des Beaux-Arts. Au lieu de cela, il a fréquenté les lieux fréquentés par les artistes avancés et a travaillé à l'Académie Suisse, où il a rencontré Camille Pissarro. Cette formation informelle a été interrompue par un appel au service militaire; il a servi de 1861 à 1862 en Algérie, où il a été excité par la lumière africaine et la couleur. Le choix de Monet de l'Algérie pour le service était peut-être en raison de son admiration pour le peintre romantique Eugène Delacroix, dont le travail colorista avait été influencé par une visite au Maroc en 1832.

En 1862, Monet est revenu à Le Havre, peut-être à cause de la maladie, et encore une fois peint la mer avec Boudin, tout en respectant le peintre de marine néerlandaise Johan Barthold Jongkind. Plus tard cette année, il a continué à étudier à Paris, cette fois avec l'académicien Charles Gleyre, dans le propre atelier, il a rencontré les artistes Frédéric Bazille, Alfred Sisley, et Pierre-Auguste Renoir. Après des désaccords avec leur maître, le groupe est parti pour le village de Chailly-en-Bière, près de Barbizon dans la forêt de Fontainebleau. Il a également été au cours de cette période ou au moins avant 1872 qui Monet découvre les estampes japonaises, l'decorativeness et la planéité qui devaient avoir une forte influence sur le développement de la peinture moderne en France.

Les réalisations exceptionnelles de période de jeunesse prolifique de Monet peuvent être mesurés dans les œuvres réalisées entre 1865 et 1870, avant qu'il ait commencé à fragmenter ses coups de pinceau dans les touches cassées caractéristiques qui allaient devenir la marque de style impressionniste. L'un des plus ambitieux de ces premières œuvres (qui n'a jamais été terminé, soi-disant à cause des commentaires négatifs par Gustave Courbet) était sur l'herbe Déjeuner (1865-1866; "Déjeuner sur l'herbe"), nommé d'après la peinture célèbre de Édouard Manet montre au Salon des Refusés en 1863. contrairement à l'oeuvre de Manet, qui était une adaptation choquante d'une idée visuelle de la Renaissance à un cadre contemporain, la peinture de Monet, à environ 15 pieds de haut par 20 pieds de large, était une représentation tout à fait contemporaine, encore unprovocative de un groupe de pique-niqueurs habillée à la mode dans la forêt de Fontainebleau. Monet a fait partager avec Manet, cependant, une préoccupation pour représenter des scènes réelles de la vie moderne plutôt que des sujets historiques, romantiques ou fantaisistes artificielles. Ainsi, Déjeuner de Monet était une extension, en vertu d'un empirisme plus immédiat, du réalisme de Courbet.

Impressionnisme, largement vu, était une célébration des plaisirs de la vie de la classe moyenne; en effet, le sujet de Monet à partir de cette période souvent impliqué des scènes domestiques mettant en vedette sa femme, son fils, et le jardin. Pourtant, la peinture la vie moderne ( "vie moderne") ne devait pas être l'objectif principal de l'art de Monet. De plus d'importance dans son cas était sa recherche incessante de moyens picturaux pour mettre en œuvre sa vision radicale de la nature. Plus que ses tableaux de figures ambitieux, des œuvres telles que The River (1868) ou La plage à Sainte-Adresse (1867) donnent une comptabilité claire de l'avance de Monet vers le style impressionniste. Dans la plage et la mer des photos de 1865-1867 Monet a été manifestement pas essayé de reproduire fidèlement la scène devant lui, comme examiné en détail, mais plutôt d'essayer d'enregistrer sur place l'impression que détendue, vision momentanée pourrait recevoir-ce qui est vu plutôt que ce est connu, avec toute sa vitalité et de mouvement. Bateaux, bâtiments, personnages accessoires, et la plage de galets sont rapidement brossés dans les modèles de couleurs plates, avec peu d'attention portée à leur poids ou leur solidité.
Premières peintures impressionnistes

la vie de Monet au cours des années 1860 était précaire et itinérant, et il a vendu presque rien; mais plusieurs travaux ont été acceptés pour l'exposition dans les salons annuels, notamment, et avec beaucoup de succès, d'une amende, mais pas encore le portrait impressionniste de sa future épouse, Camille. Ayant déjà peint à Paris, Le Havre, Chailly, Honfleur, Trouville et Fécamp et à d'autres stations entre Paris et la mer, Monet a mis fin aux années 1860 à la station Seine connue sous le nom de La Grenouillère, à Bougival, où lui et Renoir ont travaillé ensemble pour la première fois. Dans des toiles presque identiques dans le style, ils ont fait des notations rapides de jouisseurs et les baigneurs, chaloupes branlante au premier plan, et les reflets scintillants dans le clapotis de l'eau. Considéré par Monet comme «mauvais croquis," ils étaient les précurseurs du style impressionniste. études Bougival de deux artistes interprètent la lumière et le mouvement de la vie en plein air dans de forts coups abréviateurs, improvisés au moment de la perception, qui servent d'équivalents pour des expériences visuelles jamais commises sur la toile de façon directe. En 1870, à Trouville, dans de larges gestes assurés, Monet a peint une étude de Camille sur la plage. Il est aussi animée un exemple de réalisme visuel comme cela avait déjà été peint: grains de sable restent noyées dans le pigment.

Comme les années 1870 ont commencé, Monet poursuit sa quête de phénomènes naturels. Afin d'éviter la guerre franco-allemande, il a quitté son fils et Camille, qu'il venait de se marier, et a voyagé à Londres. Là, avec Pissarro, il a été introduit par Daubigny à Paul Durand-Ruel, qui allait devenir son marchand. En 1871 et 1872, il peint des canaux, des bateaux et des moulins à vent aux Pays-Bas et a travaillé à nouveau à Le Havre. A son retour, Monet a loué une maison à Argenteuil, sur la Seine près de Paris. Les années il a vécu là-bas marquent la hauteur du mouvement impressionniste. Il a aidé à organiser une exposition indépendante, en dehors du Salon officiel, du travail des Impressionnistes en 1874. Impression: Sunrise (1872), l'une des œuvres de Monet à l'exposition, inspiré le journaliste Louis Leroy pour donner le groupe leur nom.
Impressionnisme plus tard

célèbre méthode de Monet de produire des œuvres en série, chacun représentant le même motif dans différentes conditions de lumière et de temps, n'a pas été pleinement mis en œuvre jusqu'à ce que les années 1890, mais ce qui est généralement considéré comme la première série a été exécutée dans ou autour de la Gare Saint-Lazare à Paris pendant l'hiver de 1876-1877. Une rupture totale avec les sujets impressionnistes habituelles, ces travaux montrent les moteurs des trains crachant la fumée et de la vapeur dans le grand hangar, rappelant J.M.W. Pluie, vapeur de Turner et Speed-The Great Western Railway de 1844 et préfigurant les sujets mécaniques peints par Futuristes italiens après 1909. La vie de Monet était moins heureux après avoir déménagé à Vétheuil, plus loin de Paris. En 1876, une liaison a commencé entre Monet et Alice Hoschedé, la femme d'un propriétaire de grands magasins et collectionneur. Monet a encouru une charge de dettes à Argenteuil, et Camille était enceinte et malade. A Vétheuil les Monets ont été rejoints par Hoschedé, qui avait quitté son mari, et six de ses enfants. L'utilisation des fonds de la dot qu'elle a assumé les dettes de Monet et soignés Camille, qui est mort en Septembre 1879.

En 1881, le groupe impressionniste d'origine avait commencé à se désintégrer, mais il était encore de tenir deux autres expositions-la huitième et dernière (dans laquelle Monet n'a pas montré) en 1886, après l'avènement du néo-impressionnisme. Seulement Monet a continué avec la même ferveur pour poursuivre l'examen de la nature. Parmi les sites qu'il a choisi au cours des années 1880 étaient Pourville, Étretat, Fécamp et Varangéville en Normandie; l'île bretonne robuste et isolée de Belle-Île; la vallée sauvage Creuse River; Menton et Antibes dans le Midi; et Bordighera en Italie. En 1886, il a fait une deuxième visite aux Pays-Bas, pour peindre les champs de tulipes, avant de séjours importants à Étretat et Belle-Île.

En 1883, Monet, Hoschedé, ses enfants, et les fils de Monet, Jean et Michel, installés à Giverny, un hameau près de Vernon, 52 miles (84 km) de Paris, sur la petite rivière Epte. Il Monet a acheté une ferme entourée d'un verger, qui devait être sa maison jusqu'à sa mort et est maintenant un monument national français. Après les voyages des années 1880, Monet a passé les années 90 à ou près de Giverny, en se concentrant sur une série après l'autre.
Dernières années

Après 1900, deux projets ambitieux, à la fois loin de Giverny, a conclu la recherche de Monet pour de nouveaux motifs. Le premier (pour lequel il a fait au moins trois voyages à Londres entre 1899 et 1904) a été la vaste série multiple représentant la rivière Thames, les ponts de Waterloo et Charing Cross, et les Chambres du Parlement. La coloration des œuvres-exotiques et mystérieux romantique humeur rappel les peintures de la Tamise Turner et James McNeill Whistler. Dans ces peintures, il est l'atmosphère, plus que les particularités de ces structures, qui est le sujet de Monet; bâtiments et les ponts sont moins tangibles que les traçages pulsantes qui donnent du volume au brouillard lumineux et le brouillard. Le deuxième et dernier des motifs architecturaux Monet poursuivi était les canaux et les palais de Venise. Monet a commencé cette série en 1908 et poursuivie en 1909, bien qu'il ait travaillé sur ces sujets à Giverny jusqu'en 1912. Venise était un sujet impressionniste parfait, mais la lumière, l'eau, le mouvement, l'architecture et les reflets dans l'eau sont plus généralisée dans ces œuvres que les effets météorologiques spécifiques de la série de botte de foin et de la cathédrale.

En 1893, Monet avait acheté une bande de marais à travers la route de sa maison et jardin fleuri, à travers laquelle coule un affluent de l'Epte. En détournant ce flux, il a commencé à construire un jardin de nénuphar. Bientôt pleurant saules, iris, et le bambou a grandi autour d'une piscine de forme libre, des grappes de feuilles de nénuphar et de fleurs flottaient sur l'eau calme, et un pont japonais fermé la composition à une extrémité. En 1900, ce produit unique de l'imagination de Monet (pour son impressionnisme était devenu plus subjective) est en soi une œuvre majeure de l'art-un environnement Lotusland exotique dans lequel il était à méditer et à peindre depuis près de 30 ans. Les premières toiles qu'il a créé représentant des lis, l'eau et le pont japonais étaient seulement environ un yard carré, mais leur composition ouverte sans précédent, avec les grandes fleurs et des tapis suspendus comme dans l'espace, et l'eau d'azur où les nuages ​​se reflétaient, implicite un environnement englobant au-delà du cadre.

Ce concept d'embrasser spatialité, de nouveau à l'histoire de la peinture et seulement implicite dans les premières peintures de nénuphar, déplié au cours des années à partir de 1915 jusqu'à la mort de l'artiste dans un cycle de grandes peintures murales pour être installé à Paris en deux ovales de 80 pieds chambres de l'Orangerie des Tuileries. Ceux-ci ont été décrites en 1952 par le peintre André Masson comme «la chapelle Sixtine de l'impressionnisme." Ce couronnement de, étude sondant longue de Monet de la nature, son effort pour rendre ses impressions, comme il le dit, "dans le visage de la plus fugitive effets "-Est pas dédiés qu'après sa mort. Les nombreuses grandes études pour les peintures murales de l'Orangerie, ainsi que d'autres œuvres inédites et uniques peintes dans le jardin de l'eau entre 1916 et 1925, étaient presque inconnus jusqu'à ce que les années 1950, mais sont maintenant distribués dans les grandes collections privées et des musées du monde. Malgré vue défaillante en raison de la cataracte, Monet a continué à peindre presque jusqu'à sa mort en 1926.
Évaluation

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Bien que salué par la critique était lente à venir, Monet a attiré le soutien dévoué de collectionneurs tout au long de sa carrière, notamment des Américains qui a découvert son travail dans les années 1880. Son influence sur d'autres artistes était large, de ses proches contemporains tels que Vincent van Gogh à une nouvelle génération diversifiée d'artistes tels que Émile Bernard, Pierre Bonnard, Henri Matisse, et Maurice de Vlaminck. Pendant les années 1886 à 1914, une colonie américaine principalement d'artistes réunis autour de lui à Giverny et le considérait comme un exemple de la peinture française moderne. Ils ont adopté sa palette fraîche, objet, et le style spontané, éventuellement l'introduction de ces éléments à l'art américain.
Après sa mort, l'influence de Monet sur l'art contemporain reflué entre l'avant-garde, qui favorisait les exemples les plus radicaux d'artistes tels que Van Gogh, Paul Cézanne, Matisse, et Marcel Duchamp. Un regain d'intérêt pour son travail a eu lieu au début des années 1950. échelle épique de Monet et des innovations formelles influencées Résumé peintres expressionnistes tels que Mark Rothko et Jackson Pollock, et une réévaluation scientifique générale de son importance a commencé à se développer. expositions rétrospectives Wildly populaires de son travail ont visité le monde au cours des dernières décennies du 20e siècle et a établi son appel public sans précédent, le maintien de sa réputation comme l'une des figures les plus importantes et les plus populaires dans la tradition de la peinture occidentale moderne.

07/05/2016

Pour la Nouvelle-Orléans


Il y a dix ans cette semaine George et moi étions à Houston, au Texas, avec la plupart de notre personnel pour une exposition de son travail. Aucun de nous ne savait ce qui allait arriver et que ce serait plusieurs mois avant que nous sommes rentrés chez à la Nouvelle Orléans.
À la mémoire de ces temps, je partage avec vous ci-dessous une histoire je l'ai écrit en 2011 pour l'hebdomadaire La Nouvelle-Orléans, Gambit et intégré plus tard dans le livre, The Other Side of the Painting (UL Press, 2013). Honorer, aujourd'hui et toujours, une ville- merveilleux et unique
* Photographies de Tony Bernard et Don Sanders, le 21 Septembre 2005; Cliquez pour agrandir-

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Pour la Nouvelle-Orléans
Depuis le porche arrière de notre maison Faubourg Marigny, je vois la rive ouest du fleuve Mississippi à travers les branches de notre énorme arbre, un chêne vivant que M. Foche probablement lui-même nourri quand il a construit cette maison en 1835.
Dieu seul sait ce que l'arbre a enduré. Nicholas Foche, un homme libre de la couleur de la Jamaïque, est arrivé bien avant que les digues. Cela signifie que le fleuve Mississippi se précipita périodiquement par le rez de chaussée, de la porte arrière à l'avant. L'eau réglé à certains moments, je sais qu'il a fait. Il a livré des alligators, des serpents, et beaucoup, beaucoup de rats, et il élevé des millions de moustiques, la propagation de la fièvre, la maladie et la mort à travers cela, une grande ville américaine.

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Comme une série, je ne pense pas que la production HBO Tremé (basé sur un quartier à seulement quelques pâtés de maisons de la nôtre) est fabuleux, mais d'autre part, le fait que je trouve qu'il est difficile de regarder peut être un témoignage de sa perspicacité . Je me rappelle le pilote comme une fausse déclaration, même une blague, au nom des écrivains Treme pour suggérer des restaurants et des épiceries et des factures d'eau et des maisons fraîchement peintes et les bennes à ordures et les taxis (et Elvis Costello et une limousine!) Et les croustilles de Zapp et des quartiers sûrs , et les gens qui se sentent comme le chant - tous les trois mois à peine après la tempête.
Et pourtant, à droite cette seconde, six ans jour pour jour après George Rodrigue et moi (le oh-so-chance) assis dans une chambre d'hôtel à Houston et regardé à la télévision que notre ville est noyé, je suis assis sur notre 175-year-old porche et regarder les sommets des bateaux passer. Je vois les touristes saluent la rive de la rivière qui fait la Louisiane le État clé dans la vente de Napoléon de 828.000 miles carrés de ce pays, et je regarde notre arbre de chêne, maintenant maintenus ensemble par des fils d'acier et la germination forte, près de flotter, se balançant et secouant ses branches au rythme de la Nouvelle-Orléans. Trois mois après ou six ans après - Je suppose que cela n'a pas grande importance.

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Nous étions les plus chanceux. Sur notre maison pour seulement neuf mois. Aucune inondation. Mais une grande partie de l'ancienne toiture d'amiante a soufflé, laissant notre maison humide, moisie, inhabitables, et pourtant rien à redire. Je suis honteux, mais néanmoins admettre, que nous sommes restés avec nos anciens voisins à Lafayette, George et je me suis inquiété au sujet de notre arbre:
"Que devrions nous faire? Comment pouvons-nous sauver? "
Nous ne pouvions pas demander de l'aide. Il est un arbre!

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Grâce à la gentillesse d'un officier de police, nous avons été autorisés à entrer dans la Nouvelle-Orléans trois jours avant que l'ouragan Rita a frappé. Nous avons vu une ville abandonnée, une zone d'ombre, pas une voiture, pas une personne, pas un oiseau, pas un bruit, rien. Nous avons traversé un Jackson Square vide et immaculée, peut-être le seul endroit à la Nouvelle Orléans dépourvue de débris, la toile de fond du discours télévisé de notre président.

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Nous avons trouvé notre porte grande ouverte et notre maison remarquable, choquant, sans vandalisme. Dans la chaleur de 100 degrés nous sommes montés en bas trois vols de la maison de ville créole enlever les peintures.
Vous voyez, nous n'évacuons, mais plutôt, par hasard, étiez à Houston pour une exposition. L'évacuation diffère de Voyage de fin de semaine. Voyage de fin de semaine est robes de cocktail, maillots de bain et maquillage. Evacuation, cependant, est des peintures et des albums photo et quelle que soit cette dernière petite chose est que l'on rêve d'avoir sur une île déserte.
Ce sont les choses que nous SAISIR. Silencieux et se précipitant, nous avons observé notre arbre à distance. Ses racines ont soulevé notre cour dans les lieux trois, cinq et six pieds de haut, de sorte que nous ne pouvions pas obtenir près. Le chêne a été divisé, mais debout, grandeur nature en fibre de verre peint la vache de George (du Chicago Cow Parade 1999) pris la tête en bas, haut dans ses branches. Peiné pour l'ensemble de notre ville, nous regardions silencieusement à notre arbre et ignoré les plaintes de notre (remplacé plus tard) l'assurance ajusteur:
«Je ne peux pas travailler dans ces conditions chaudes! Où puis-je obtenir une boisson froide? Ne vous avez une meilleure façon d'emballer ces peintures? Cette salle de bains est sale! "
Nous avons des photos de tout cela, mais je déteste regarder et partager seulement quelques-uns dans cet essai.

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Tremé manque beaucoup. Mais je pense que ça va. Le spectacle nous idéalise en fait à certains égards importants, trop douloureux, trop capiteux, et trop politiques de détailler ici. Cependant, je serais dur pressé de trouver quelqu'un qui ne serait pas tomber sur leurs genoux pour voir un Mardi Gras Indian habillé et chantant avec conviction, même maintenant dans leur rue.
Et pourtant, notre chêne, deux fois par an depuis Katrina, détient des perroquets, toute une hiérarchie d'entre eux, à partir du haut de l'arbre vers le bas, les aras aux pinsons, un troupeau migration des animaux libérés, peut-être l'équivalent significatif d'un costume tradition.
Je me rends compte que Tremé est une émission de télévision; il est de la fiction basée sur la réalité, pas un documentaire. Il est d'accord avec moi que l'histoire est biaisée. Et il faut réveiller des sentiments pour tout le monde ici à la Nouvelle Orléans qui la regarde. D'une certaine manière Tremé nous fait regarder merveilleux et comme un pays du tiers monde, les deux en même temps. Heck, trois mois seulement après Katrina nous sommes carrément séduisante! Mais alors, peut-être nous avons toujours été.

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Je me souviens la première fois que je riais après la tempête: Mon ami Geri a décrit la valeur de 200.000 $ de dommages de rongeur à sa maison comme "écureuils gone wild."
Je me rappelle la première fois que je chantais: Il était Lundi Gras 2006 (la veille de mardi gras), et le Chee Weez conduire des milliers d'entre nous, des étrangers de la côte du Golfe entière, les gens de Biloxi, Pass Christian, Slidell, presque tous vivent dans remorques FEMA, réunis à l'espagnol Plaza et chantant a capella comme si nous avions pratiqué pendant des mois,
"Jérémie était un ouaouaron, était un bon ami à moi ..." *
Trésor Nouvelle-Orléans. Allez à Vaughn et entendre Kermit Ruffins. Mangez un po 'boy. Visitez le New Orleans Museum of Art. Danse à Mulate de. Montez un hydroglisseur à travers le marais. Buvez un ouragan. Faites une visite du cimetière. Admirez les chênes. Et si rien d'autre, marcher sur une digue.
Rappelles toi.
Wendy

* "Joy to the World" par Hoyt Axton

Note: Prints de la peinture de George Rodrigue We Will Rise Again soulevé 700 000 $ pour l'aide humanitaire locale suite à l'ouragan Katrina. Voir la peinture originale, sur la vue au 4 Octobre 2015 au Rodrigue en studio, La Nouvelle-Orléans. Article complet lié ici-

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George Rodrigue Art for sale