topblog Ivoire blogs

09/10/2016

A brief history of watercolors


3000 years ago, Egypt Memphis era of egg painting is the predecessor of watercolor. It is a red, yellow, green, purple four-color mixture of egg yolk or protein and other media, rendering in the wall into the intertwined pattern. After the Roman times and passed in Europe, breeds a later watercolor.

From the 14th to the 15th centuries, European painters developed a monochromatic watercolor with lines as the backbone, with little color contrast or only monochromatic rendering. It was used as a draft and practice of oil painting.

Until nearly three or four hundred years, watercolor was compiled into a more orderly history. From the 16th to the 17th centuries, the Platonic ideal beauty of the painter began to attach importance to the nature of the realism, and often to the way the landscape sketch to capture the beauty given by nature. Watercolor is the record of rapid changes in inspiration and fathom the atmosphere of the best materials, so the watercolor by the German painter Durer and others, gradually being more people use. Especially in the 17th century, some Dutch painters, more committed to the watercolor and oil painting as equal to the art, and to study their special techniques, slowly spread to the United Kingdom, led to the rise of the 18th century British watercolor. Known as the father of British watercolor, Paul Sandby won the honor and status in the society with diligent labor and outstanding talent. With the support of the British Government, he established the Royal College of Art to promote the development of watercolor. Began to break the Dutch influence, to seek independent style. The watercolors of France during this period were extended by their portraits of oil-color religious portraits, unlike the British directly influenced by the Dutch. 18th century French watercolors are transparent and opaque combination, is to carry forward the light color illustrations and absorption of the British style and characteristics of the formation. They pay attention to a class of plastic watercolor opaque painting, the United Kingdom is generally applied to the so-called pure transparent watercolor.
Painting for sale
In addition, in Germany, Switzerland and other European countries, because of the human nature brought about by the mystery of exploration and realistic spirit, watercolor because of its light and diversity of advantages, gradually welcomed and showed a light and independent value and charm.
Julia Beck Painting for sale
From the eighteenth century to the nineteenth century, watercolor painters, after centuries of effort, have laid an independent foundation for watercolor painting. Today, watercolors can be attributed to this period of operation. In particular, several British talented artists - Turner, Gardiner, Bonnington and others painstaking research, promote and develop the characteristics of pure watercolor, abandoned the pleasing Dutch painting. At the same time Europe and the United States of oil painters, sculptors have put watercolor creation, making watercolor art is booming. Throughout the history of the development of watercolor painting, despite the three or four hundred years before and after such a short period of time to obtain such a brilliant achievement, its characteristics more in line with modern efficiency,

17/07/2016

Lettre de l'éditeur



Hey belles lecteurs,

Wow, quel fou mois quelques-uns, il a été. Il y a eu tellement de choses dans la bulle Things & Ink. Le nouveau numéro, qui est maintenant, est le numéro quatre, mais il marque aussi une année de la revue. Il est incroyable de penser que cette fois l'an dernier, il n'a pas existé dans la belle forme physique qu'il fait maintenant. Et il est le plus grand et le plus ambitieux, sujet à ce jour - eh bien, nous ne pouvions pas marquer Things & le premier anniversaire de l'encre de toute autre manière maintenant, pourrions-nous?

Les meilleures idées viennent toujours après une ou deux bouteilles de Pinot, et c'est exactement comment le photographe Heather Shuker et je suis venu avec le concept de l'émission d'Art - et, bien sûr, avec l'aide de l'historien d'art Docteur Matt Lodder. Nous avons créé une fonction photo étonnante, y compris recréations d'œuvres emblématiques de l'art avec notre propre torsion de tatouage - consultez la question pour voir quelle peinture légendaire Lal Hardy posée dans.

La question porte sur des sujets délicats, tels que l'étiquette de tatouage (quand l'inspiration ne se transformer en copie?), Et des tatouages ​​comme art. Nous avons aussi parlé à des artistes qui ont eu leur propre travail utilisé comme tatouage inspiration. Un de mes points forts personnels est une interview avec l'artiste emblématique Jack Vettriano, comme je l'ai été un grand fan de son travail depuis mon adolescence.

La question de l'art est vraiment incroyable grâce à tous ses collaborateurs de talent, et je ne peux pas attendre pour tout le monde pour obtenir leurs mains sur une copie. Il est certainement ma question préférée à ce jour.

Toujours dans le cas où vous l'avez manqué, j'ai discuté des tatouages ​​avec Jeremy Paxman et la soeur de Boris Johnson Rachel mercredi soir sur Newsnight, il était vraiment l'une des nuits les plus surréalistes de ma vie. Paxman était aimant ma jambe préraphaélite par notre couverture étoile Tracy D, qui dispose également dans le dernier numéro.

Nous espérons que vous apprécierez tous la question autant que je l'ai apprécié l'éditer. Et assurez-vous de consulter notre site Web pour toutes les dernières offres.

L'espoir de vous voir tous à la fête car, sous sa peau à Atomica Gallery, il est temps de célébrer une année vraiment spéciale.

Gros bisous
Alice
xxxx

20/05/2016

Claude Monet French painter

Claude Monet, en pleine Oscar-Claude Monet (né le 14 Novembre 1840, Paris, France-décédé le 5 Décembre 1926, Giverny) peintre français qui a été l'initiateur, leader, et le défenseur indéfectible du style impressionniste. Dans ses œuvres de maturité, Monet a développé son procédé de production d'études répétées du même motif en série, en changeant toiles avec la lumière ou que son intérêt décalé. Ces séries ont souvent été exposées dans des groupes, par exemple, ses images de haystacks (1891) et la cathédrale de Rouen (1894). A son domicile à Giverny, Monet a créé l'étang de nénuphar qui a servi de source d'inspiration pour sa dernière série de peintures. Sa popularité a grimpé dans la deuxième moitié du 20e siècle, lorsque ses œuvres ont voyagé le monde dans des expositions de musée qui a attiré une foule record et de commercialisation des produits commerciaux populaires mettant en vedette des images de son art.
L'enfance et les premières œuvres

Lorsque Claude, le fils aîné d'Adolphe Monet, un épicier, âgé de cinq ans, la famille a déménagé à la côte normande, près du Havre, où son père a pris la direction du navire-florissante et fournitures pour bateaux épicerie affaires de sa famille. Cet événement a plus de signification biographique, car il était l'enfance de Monet, a passé le long des plages, et la connaissance intime qu'il a gagné sur la mer et l'évolution rapide des conditions météorologiques Norman, ce serait un jour donner lieu à sa nouvelle vision de la nature. Le premier succès de Monet comme un artiste est venu quand il avait 15 ans, avec la vente de caricatures qui ont été soigneusement observé et bien dessiné. Dans ces premières années, il a également exécuté des croquis au crayon de bateaux à voile, qui étaient presque technique dans leur descriptif clair. Sa tante, Marie-Jeanne Lecadre, était un peintre amateur, et, peut-être à sa suggestion, Claude est allé étudier le dessin avec un artiste local. Mais sa vie comme peintre n'a pas commencé jusqu'à ce qu'il se lia d'amitié Eugène Boudin, qui a introduit l'étudiant un peu arrogant à la pratique, puis rare-de la peinture à l'air libre. L'expérience à définir la direction de Monet, qui, depuis plus de 60 ans se concentrerait sur les phénomènes visibles et sur l'innovation des méthodes efficaces pour transformer la perception en pigment.

Bien que les paysages de pétrole avaient été peints au moins depuis le 16ème siècle, ils ont généralement été produites dans les ateliers-souvenirs, plutôt que des impressions directes, des observations de la nature. Les peintres anglais John Constable et J.M.W. Turner a fait de petites esquisses à l'huile hors des portes avant 1810, mais il est peu probable que Monet connaissait ces études. Il a d'abord rendu à Paris en 1859-60, où il a été impressionné par le travail des peintres Barbizon-école Charles Daubigny et Troyon Constant. Pour l'agacement de sa famille, il a refusé d'inscrire à l'École des Beaux-Arts. Au lieu de cela, il a fréquenté les lieux fréquentés par les artistes avancés et a travaillé à l'Académie Suisse, où il a rencontré Camille Pissarro. Cette formation informelle a été interrompue par un appel au service militaire; il a servi de 1861 à 1862 en Algérie, où il a été excité par la lumière africaine et la couleur. Le choix de Monet de l'Algérie pour le service était peut-être en raison de son admiration pour le peintre romantique Eugène Delacroix, dont le travail colorista avait été influencé par une visite au Maroc en 1832.

En 1862, Monet est revenu à Le Havre, peut-être à cause de la maladie, et encore une fois peint la mer avec Boudin, tout en respectant le peintre de marine néerlandaise Johan Barthold Jongkind. Plus tard cette année, il a continué à étudier à Paris, cette fois avec l'académicien Charles Gleyre, dans le propre atelier, il a rencontré les artistes Frédéric Bazille, Alfred Sisley, et Pierre-Auguste Renoir. Après des désaccords avec leur maître, le groupe est parti pour le village de Chailly-en-Bière, près de Barbizon dans la forêt de Fontainebleau. Il a également été au cours de cette période ou au moins avant 1872 qui Monet découvre les estampes japonaises, l'decorativeness et la planéité qui devaient avoir une forte influence sur le développement de la peinture moderne en France.

Les réalisations exceptionnelles de période de jeunesse prolifique de Monet peuvent être mesurés dans les œuvres réalisées entre 1865 et 1870, avant qu'il ait commencé à fragmenter ses coups de pinceau dans les touches cassées caractéristiques qui allaient devenir la marque de style impressionniste. L'un des plus ambitieux de ces premières œuvres (qui n'a jamais été terminé, soi-disant à cause des commentaires négatifs par Gustave Courbet) était sur l'herbe Déjeuner (1865-1866; "Déjeuner sur l'herbe"), nommé d'après la peinture célèbre de Édouard Manet montre au Salon des Refusés en 1863. contrairement à l'oeuvre de Manet, qui était une adaptation choquante d'une idée visuelle de la Renaissance à un cadre contemporain, la peinture de Monet, à environ 15 pieds de haut par 20 pieds de large, était une représentation tout à fait contemporaine, encore unprovocative de un groupe de pique-niqueurs habillée à la mode dans la forêt de Fontainebleau. Monet a fait partager avec Manet, cependant, une préoccupation pour représenter des scènes réelles de la vie moderne plutôt que des sujets historiques, romantiques ou fantaisistes artificielles. Ainsi, Déjeuner de Monet était une extension, en vertu d'un empirisme plus immédiat, du réalisme de Courbet.

Impressionnisme, largement vu, était une célébration des plaisirs de la vie de la classe moyenne; en effet, le sujet de Monet à partir de cette période souvent impliqué des scènes domestiques mettant en vedette sa femme, son fils, et le jardin. Pourtant, la peinture la vie moderne ( "vie moderne") ne devait pas être l'objectif principal de l'art de Monet. De plus d'importance dans son cas était sa recherche incessante de moyens picturaux pour mettre en œuvre sa vision radicale de la nature. Plus que ses tableaux de figures ambitieux, des œuvres telles que The River (1868) ou La plage à Sainte-Adresse (1867) donnent une comptabilité claire de l'avance de Monet vers le style impressionniste. Dans la plage et la mer des photos de 1865-1867 Monet a été manifestement pas essayé de reproduire fidèlement la scène devant lui, comme examiné en détail, mais plutôt d'essayer d'enregistrer sur place l'impression que détendue, vision momentanée pourrait recevoir-ce qui est vu plutôt que ce est connu, avec toute sa vitalité et de mouvement. Bateaux, bâtiments, personnages accessoires, et la plage de galets sont rapidement brossés dans les modèles de couleurs plates, avec peu d'attention portée à leur poids ou leur solidité.
Premières peintures impressionnistes

la vie de Monet au cours des années 1860 était précaire et itinérant, et il a vendu presque rien; mais plusieurs travaux ont été acceptés pour l'exposition dans les salons annuels, notamment, et avec beaucoup de succès, d'une amende, mais pas encore le portrait impressionniste de sa future épouse, Camille. Ayant déjà peint à Paris, Le Havre, Chailly, Honfleur, Trouville et Fécamp et à d'autres stations entre Paris et la mer, Monet a mis fin aux années 1860 à la station Seine connue sous le nom de La Grenouillère, à Bougival, où lui et Renoir ont travaillé ensemble pour la première fois. Dans des toiles presque identiques dans le style, ils ont fait des notations rapides de jouisseurs et les baigneurs, chaloupes branlante au premier plan, et les reflets scintillants dans le clapotis de l'eau. Considéré par Monet comme «mauvais croquis," ils étaient les précurseurs du style impressionniste. études Bougival de deux artistes interprètent la lumière et le mouvement de la vie en plein air dans de forts coups abréviateurs, improvisés au moment de la perception, qui servent d'équivalents pour des expériences visuelles jamais commises sur la toile de façon directe. En 1870, à Trouville, dans de larges gestes assurés, Monet a peint une étude de Camille sur la plage. Il est aussi animée un exemple de réalisme visuel comme cela avait déjà été peint: grains de sable restent noyées dans le pigment.

Comme les années 1870 ont commencé, Monet poursuit sa quête de phénomènes naturels. Afin d'éviter la guerre franco-allemande, il a quitté son fils et Camille, qu'il venait de se marier, et a voyagé à Londres. Là, avec Pissarro, il a été introduit par Daubigny à Paul Durand-Ruel, qui allait devenir son marchand. En 1871 et 1872, il peint des canaux, des bateaux et des moulins à vent aux Pays-Bas et a travaillé à nouveau à Le Havre. A son retour, Monet a loué une maison à Argenteuil, sur la Seine près de Paris. Les années il a vécu là-bas marquent la hauteur du mouvement impressionniste. Il a aidé à organiser une exposition indépendante, en dehors du Salon officiel, du travail des Impressionnistes en 1874. Impression: Sunrise (1872), l'une des œuvres de Monet à l'exposition, inspiré le journaliste Louis Leroy pour donner le groupe leur nom.
Impressionnisme plus tard

célèbre méthode de Monet de produire des œuvres en série, chacun représentant le même motif dans différentes conditions de lumière et de temps, n'a pas été pleinement mis en œuvre jusqu'à ce que les années 1890, mais ce qui est généralement considéré comme la première série a été exécutée dans ou autour de la Gare Saint-Lazare à Paris pendant l'hiver de 1876-1877. Une rupture totale avec les sujets impressionnistes habituelles, ces travaux montrent les moteurs des trains crachant la fumée et de la vapeur dans le grand hangar, rappelant J.M.W. Pluie, vapeur de Turner et Speed-The Great Western Railway de 1844 et préfigurant les sujets mécaniques peints par Futuristes italiens après 1909. La vie de Monet était moins heureux après avoir déménagé à Vétheuil, plus loin de Paris. En 1876, une liaison a commencé entre Monet et Alice Hoschedé, la femme d'un propriétaire de grands magasins et collectionneur. Monet a encouru une charge de dettes à Argenteuil, et Camille était enceinte et malade. A Vétheuil les Monets ont été rejoints par Hoschedé, qui avait quitté son mari, et six de ses enfants. L'utilisation des fonds de la dot qu'elle a assumé les dettes de Monet et soignés Camille, qui est mort en Septembre 1879.

En 1881, le groupe impressionniste d'origine avait commencé à se désintégrer, mais il était encore de tenir deux autres expositions-la huitième et dernière (dans laquelle Monet n'a pas montré) en 1886, après l'avènement du néo-impressionnisme. Seulement Monet a continué avec la même ferveur pour poursuivre l'examen de la nature. Parmi les sites qu'il a choisi au cours des années 1880 étaient Pourville, Étretat, Fécamp et Varangéville en Normandie; l'île bretonne robuste et isolée de Belle-Île; la vallée sauvage Creuse River; Menton et Antibes dans le Midi; et Bordighera en Italie. En 1886, il a fait une deuxième visite aux Pays-Bas, pour peindre les champs de tulipes, avant de séjours importants à Étretat et Belle-Île.

En 1883, Monet, Hoschedé, ses enfants, et les fils de Monet, Jean et Michel, installés à Giverny, un hameau près de Vernon, 52 miles (84 km) de Paris, sur la petite rivière Epte. Il Monet a acheté une ferme entourée d'un verger, qui devait être sa maison jusqu'à sa mort et est maintenant un monument national français. Après les voyages des années 1880, Monet a passé les années 90 à ou près de Giverny, en se concentrant sur une série après l'autre.
Dernières années

Après 1900, deux projets ambitieux, à la fois loin de Giverny, a conclu la recherche de Monet pour de nouveaux motifs. Le premier (pour lequel il a fait au moins trois voyages à Londres entre 1899 et 1904) a été la vaste série multiple représentant la rivière Thames, les ponts de Waterloo et Charing Cross, et les Chambres du Parlement. La coloration des œuvres-exotiques et mystérieux romantique humeur rappel les peintures de la Tamise Turner et James McNeill Whistler. Dans ces peintures, il est l'atmosphère, plus que les particularités de ces structures, qui est le sujet de Monet; bâtiments et les ponts sont moins tangibles que les traçages pulsantes qui donnent du volume au brouillard lumineux et le brouillard. Le deuxième et dernier des motifs architecturaux Monet poursuivi était les canaux et les palais de Venise. Monet a commencé cette série en 1908 et poursuivie en 1909, bien qu'il ait travaillé sur ces sujets à Giverny jusqu'en 1912. Venise était un sujet impressionniste parfait, mais la lumière, l'eau, le mouvement, l'architecture et les reflets dans l'eau sont plus généralisée dans ces œuvres que les effets météorologiques spécifiques de la série de botte de foin et de la cathédrale.

En 1893, Monet avait acheté une bande de marais à travers la route de sa maison et jardin fleuri, à travers laquelle coule un affluent de l'Epte. En détournant ce flux, il a commencé à construire un jardin de nénuphar. Bientôt pleurant saules, iris, et le bambou a grandi autour d'une piscine de forme libre, des grappes de feuilles de nénuphar et de fleurs flottaient sur l'eau calme, et un pont japonais fermé la composition à une extrémité. En 1900, ce produit unique de l'imagination de Monet (pour son impressionnisme était devenu plus subjective) est en soi une œuvre majeure de l'art-un environnement Lotusland exotique dans lequel il était à méditer et à peindre depuis près de 30 ans. Les premières toiles qu'il a créé représentant des lis, l'eau et le pont japonais étaient seulement environ un yard carré, mais leur composition ouverte sans précédent, avec les grandes fleurs et des tapis suspendus comme dans l'espace, et l'eau d'azur où les nuages ​​se reflétaient, implicite un environnement englobant au-delà du cadre.

Ce concept d'embrasser spatialité, de nouveau à l'histoire de la peinture et seulement implicite dans les premières peintures de nénuphar, déplié au cours des années à partir de 1915 jusqu'à la mort de l'artiste dans un cycle de grandes peintures murales pour être installé à Paris en deux ovales de 80 pieds chambres de l'Orangerie des Tuileries. Ceux-ci ont été décrites en 1952 par le peintre André Masson comme «la chapelle Sixtine de l'impressionnisme." Ce couronnement de, étude sondant longue de Monet de la nature, son effort pour rendre ses impressions, comme il le dit, "dans le visage de la plus fugitive effets "-Est pas dédiés qu'après sa mort. Les nombreuses grandes études pour les peintures murales de l'Orangerie, ainsi que d'autres œuvres inédites et uniques peintes dans le jardin de l'eau entre 1916 et 1925, étaient presque inconnus jusqu'à ce que les années 1950, mais sont maintenant distribués dans les grandes collections privées et des musées du monde. Malgré vue défaillante en raison de la cataracte, Monet a continué à peindre presque jusqu'à sa mort en 1926.
Évaluation

waterloo-bridge-1901-5771.jpg


Bien que salué par la critique était lente à venir, Monet a attiré le soutien dévoué de collectionneurs tout au long de sa carrière, notamment des Américains qui a découvert son travail dans les années 1880. Son influence sur d'autres artistes était large, de ses proches contemporains tels que Vincent van Gogh à une nouvelle génération diversifiée d'artistes tels que Émile Bernard, Pierre Bonnard, Henri Matisse, et Maurice de Vlaminck. Pendant les années 1886 à 1914, une colonie américaine principalement d'artistes réunis autour de lui à Giverny et le considérait comme un exemple de la peinture française moderne. Ils ont adopté sa palette fraîche, objet, et le style spontané, éventuellement l'introduction de ces éléments à l'art américain.
Après sa mort, l'influence de Monet sur l'art contemporain reflué entre l'avant-garde, qui favorisait les exemples les plus radicaux d'artistes tels que Van Gogh, Paul Cézanne, Matisse, et Marcel Duchamp. Un regain d'intérêt pour son travail a eu lieu au début des années 1950. échelle épique de Monet et des innovations formelles influencées Résumé peintres expressionnistes tels que Mark Rothko et Jackson Pollock, et une réévaluation scientifique générale de son importance a commencé à se développer. expositions rétrospectives Wildly populaires de son travail ont visité le monde au cours des dernières décennies du 20e siècle et a établi son appel public sans précédent, le maintien de sa réputation comme l'une des figures les plus importantes et les plus populaires dans la tradition de la peinture occidentale moderne.